Andrea Amici

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Veni Domine

Volge al termine il tempo di Natale, quest’anno reso ancora più breve dalla prossimità dell’Epifania e della Solennità del Battesimo di Gesù poste in giorni consecutivi, ma c’è ancora spazio per ascoltare questo “Veni Domine – Advent & Christmas at the Sistine Chapel“, edito dalla Deutsche Grammophon, che vede protagonisti il Coro della Cappella Sistina diretto da Massimo Palombella con la partecipazione speciale di Cecilia Bartoli.

Veni Domine - Sistine Chapel

È il secondo album che la storica formazione incide nel 2017 per il prestigiosissimo marchio discografico e questa volta, come lascia intuire il titolo, il repertorio scelto è interamente dedicato alla musica sacra per l’Avvento e il Natale, dal canto gregoriano a Perotinus ai grandi maestri della polifonia, fra i quali spiccano naturalmente i nomi di Josquin Desprez, Giovanni Pierluigi da Palestrina, Tomas Luis da Victoria e Gregorio Allegri.

L’incisione è stata ovviamente effettuata sotto l’occhio vigile del Giudizio Universale di Michelangelo e delle altre magnifiche opere d’arte della Sistina, con il suono del coro che “galleggia” nella splendida acustica che è una sede naturale per questi capolavori musicali.

Oltre all’indubbio valore squisitamente musicale, il disco è altresì interessante in quanto tutte le esecuzioni sono state effettuate su nuove edizioni critiche realizzate a partire da manoscritti o prime edizioni a stampa presenti nel fondo della Biblioteca Apostolica Vaticana, con un notevole valore, quindi, anche dal punto di vista filologico, impreziosito anche dalla presenza di tre prime incisioni mondiali.

Un discorso a parte necessita la partecipazione di Cecilia Bartoli; naturalmente è risaputo che all’interno della Cappella Sistina non abbiano mai risuonato, in questo repertori, voci femminili e questa stessa occasione è la prima presenza di una cantante in tale sede, quindi proprio nell’ambito dell’operazione filologica di cui il CD si fa vanto e portavoce il celebre soprano sembra quasi fuori luogo; tuttavia, ascoltando il brano di Perotinus non si può che apprezzare il risultato, in quanto il timbro speciale della cantante sembra proprio a perfetto agio fra il coro.

Mentre si spengono le luci delle feste natalizie e svaniscono le note delle musiche occasionali che prendono il sopravvento in qualunque contesto e rischiano col loro frastuono di sopraffare anche gli stessi sentimenti che apparentemente vorrebbero o penserebbero di auspicare, è bene lasciare spazio a questa musica che, invece, nasce dal silenzio e su di esso poggia, l’unica che realmente dà voce al mistero del Natale e immerge nella riflessione e nella contemplazione, perché della Solennità riesce a comprendere ed esprimere la profonda teologia e può quindi, come dice lo stesso direttore della Sistina Palombella, “aiutare il cammino dell’uomo verso il trascendente“.

“Preludio e L’Infinito” dalla Cantata Luterana

Disponibile per l’ascolto online la prima parte della Cantata Luterana “Sola nel mondo eterna”, il Preludio e L’Infinito (su testo di Giacomo Leopardi), nella nuova versione per soprano solista, coro e orchestra.

Nella sua versione originale per soprano, coro da camera e quartetto d’archi, la Cantata era stata eseguita in prima esecuzione assoluta alla Chiesa Luterana di Napoli il 22 aprile 2010, nel corso del concerto delle composizioni finaliste alla X edizione del concorso di composizione “Musica e Cultura a Piazza dei Martiri”, concorso vinto nella IX e XII edizione da Andrea Amici con due dei Tre Salmi Luterani.

 

 

Andrea Amici, Salmo 8 per coro e pianoforte

Salmo 8 per coro e pianoforte

 

La Chiesa Luterana di Napoli

La Chiesa Luterana di Napoli

Il Salmo 8 per coro e pianoforte (“O Signore, signore nostro quanto è magnifico il tuo nome su tutta la terra“) è stato presentato in prima esecuzione assoluta alla Chiesa Luterana di Napoli il 23 aprile 2013, al concerto delle composizioni finaliste della XIII edizione del concorso di composizione “Musica e Cultura a Piazza dei Martiri”.

Il testo è uno dei salmi preferiti dal compositore, che da tanto tempo aveva meditato di metterne in musica la versione latina o italiana cattolica; la nuova partecipazione al premio di composizione napoletano ha fatto ricadere la scelta sulla traduzione italiana della Bibbia luterana.

Assieme al Salmo 116 e al Salmo 28 questo brano, sia per il carattere complessivo, sia anche attraverso la fugace citazione dei temi iniziali degli altri due pezzi,  chiude idealmente un trittico di Tre Salmi Luterani scritti nell’arco di quattro anni per la partecipazione a tre diverse edizioni (IX, XII e XIII) della pregevole iniziativa della Chiesa Luterana di Napoli di incrementare il repertorio corale contemporaneo.

Il Salmo 8 mantiene le medesime caratteristiche dei due precedenti: la fitta trama contrappuntistica che intreccia le voci fra di loro e il pianoforte – che partecipa non come elemento di accompagnamento o di sfondo – l’armonia densa, il frequente cambio di testura corale, gli stretti procedimenti imitativi, il discorso logico del testo che si frammenta attraverso le varie voci.

Formalmente il brano riprende l’andamento del mottetto rinascimentale, con una suddivisione in episodi che si saldano fra di loro senza soluzione di continuità o attraverso cesure, seguendo la struttura formale del testo.

Gli episodi presentano alternativamente (o anche al loro interno) delle testure corali contrappuntistiche o accordali, disposizioni a coppie o divisioni delle voci. L’andamento melodico è modellato sempre sulla prosodia del testo, mentre la scansione ritmica è irregolare, in quanto l’idea fondamentale è quella di mantenere un tactus che mantenga sempre uno stretto rapporto con il profilo della parola, anche andando fuori dallo schema tradizionale della suddivisione.

La prima esecuzione assoluta “Salmo 8 per coro e pianoforte“ è stata curata dall’ensemble corale formato da Rosaria La Volpe e Francesca Zurzolo (soprani), Tiziana Fabbricatti e Alessandra Lanzetta (contralti), Guido Ferretti e Roberto Franco (tenori), Andrea Campese e Sergio Petrarca (bassi), provenienti da prestigiose realtà cittadine napoletane, diretti dal maestro Carlo Forni e accompagnati al pianoforte dal giovane spagnolo José Manuel Núñez.

 

L'Eterno è la mia forza incipit

L’Eterno è la mia forza, per coro e pianoforte

 

Composto nei mesi di settembre e ottobre del 2011 e dedicato alla memoria del padre dell’autore, L’Eterno è la mia forza” per coro e pianoforte è stato eseguito per la prima volta a Napoli il 18 aprile 2012 al concerto dei brani finalisti della XII Edizione del Concorso di Composizione “Musica e Cultura a Piazza dei Martiri e, al termine del concerto, il brano si è aggiudicato il primo premio (“Premio della Giuria”) .

Il testo messo in musica è una parte del Salmo 27/28, nella traduzione della Bibbia luterana:

 

La partitura del brano – Fai clic sull’immagine per acquistare

L’Eterno è la mia forza e il mio scudo
in lui si è confidato il mio cuore,
e sono stato soccorso,
perciò il mio cuore festeggia,
ed io lo celebrerò col mio cantico.
L’Eterno è la forza del suo popolo,
egli è un baluardo di salvezza per il suo unto.
Salva il tuo popolo e benedici la tua eredità,
e pascili e sostienili in perpetuo.
Il Signore mi dà forza e mi protegge
in lui ho fiducia, da lui ricevo aiuto
il mio cuore esulta di gioia
e col mio canto lo ringrazio.
Il Signore protegge il suo popolo,
difende e salva il re che si è scelto.
Salva il tuo popolo, Signore,
benedici quelli che ti appartengono,
e come un pastore guidali sempre.

 

Come in tutti i brani corali di Andrea Amici, l’aderenza alle esigenze del testo è fondamentale: la forma musicale si modella sugli elementi sintattici e sul senso delle frasi, dividendosi in sezioni fra di loro saldamente collegate da continui richiami melodici e armonici, mentre il ritmo musicale è sempre adattato alla prosodia e alla metrica delle parole.

Dal punto di vista musicale sin dal principio del brano si ritrova una caratterizzazione del materiale melodico in senso circolare, allegoria dell’Eterno, nonché una forte verticalizzazione dell’armonia al pianoforte con ampi accordi che poggiano sulla profondità del registro grave.

Il prof. Daniele Spini premia Andrea Amici

Un altro elemento portante, che pervade moltissimi episodi, è un uso intensivo della polifonia e dell’indipendenza delle singole voci; non è raro infatti incontrare una scrittura canonica fra le varie parti reali, come anche una polifonia che aggrega in procedimenti imitativi a due a due le singole voci.

Particolarmente intenso è l’impiego dinamico ed espressivo del coro, con un continuo cambiamento delle testure, formazioni accordali che arrivano fino a otto voci, e il pianoforte che sostiene le voci, completa l’armonia e spesso partecipa delle trame contrappuntistiche.

A partire dalla misura 75, in corrispondenza delle parole “Il Signore protegge il suo popolo“, inizia un crescendo continuo, dinamico armonico e melodico, che, proprio nel punto di massima forza, fa rimanere improvvisamente sospesa l’atmosfera musicale, per una chiusura più sfumata sulle parole “sempre… sempre“, memore di una più celebre conclusione verso il silenzio sulle uguali parole tedesche “ewig… ewig…

La registrazione presente su questa pagina è quella della prima esecuzione assoluta, al concerto delle composizioni finaliste del concorso “Musica e Cultura a Piazza dei Martiri”, con i componenti del Gruppo Vocale della Chiesa Luterana di Napoli, diretto dal maestro Carlo Forni e accompagnato al pianoforte da Vincenzo Caiazzo, costituito da Francesca Zurzolo e Rosalia La Volpe (soprani), Tiziana Fabbricatti e Vincenza Cardone (contralti), Andrea Campese e Roberto Franco (tenori), Angelo Florio e Sergio Petrarca (bassi).

Per acquistare una copia della partitura, collegati alla pagina: http://www.lulu.com/shop/andrea-amici/leterno-è-la-mia-forza-per-coro-e-pianoforte/paperback/product-20295829.html

Prima esecuzione della Cantata Luterana "Sola nel mondo eterna"

Il Coro Luterano di Napoli durante la prima esecuzione della Cantata Luterana

Un momento del concerto

Prima esecuzione assoluta alla Chiesa Luterana di Napoli il 22 aprile 2010 della Cantata Luterana “Sola nel mondo eterna”, composta da Andrea Amici, brano finalista alla X edizione del concorso di composizione “Musica e Cultura a Piazza dei Martiri, concorso che, nella precedente edizione, era stato vinto da Andrea Amici con “Salmo 116 per coro e pianoforte“.

Il brano, che mette in musica un florilegio di testi sacri e profani selezionati da Holger Milkau, Decano della CELI e Pastore della Comunità Evangelica Luterana di Napoli, è scritto per soprano, coro e quartetto d’archi ed è stato eseguito dal Coro Luterano di Napoli con la partecipazione del soprano solista Silvia del Grosso e del Quartetto formato da Giuseppe Carotenuto, Francesco Maggio (violini), Annamaria Sullo (viola), Manuela Albano (violoncello), diretti dal M° Eduardo Bochicchio.
Nei prossimi giorni sarà disponibile la partitura e la registrazione completa effettuata da Andrea Amici nella versione per soprano solista, coro sinfonico e orchestra d’archi.

Un momento della prima esecuzione della Cantata Luterana

Prima esecuzione della Cantata Luterana “Sola nel mondo eterna”

Prima esecuzione assoluta alla Chiesa Luterana di Napoli il 22 aprile 2010 della Cantata Luterana “Sola nel mondo eterna”, composta da Andrea Amici, brano finalista alla X edizione del concorso di composizione “Musica e Cultura a Piazza dei Martiri, concorso che, nella precedente edizione, era stato vinto da Andrea Amici con “Salmo 116 per coro e pianoforte“.

Il brano, che mette in musica un florilegio di testi sacri e profani selezionati da Holger Milkau, Decano della CELI e Pastore della Comunità Evangelica Luterana di Napoli, è scritto per soprano, coro e quartetto d’archi ed è stato eseguito dal Coro Luterano di Napoli con la partecipazione del soprano solista Silvia del Grosso e del Quartetto formato da Giuseppe Carotenuto, Francesco Maggio (violini), Annamaria Sullo (viola), Manuela Albano (violoncello), diretti dal M° Eduardo Bochicchio.
Nei prossimi giorni sarà disponibile la partitura e la registrazione completa effettuata da Andrea Amici nella versione per soprano solista, coro sinfonico e orchestra d’archi.

Stabat Mater titolo copertina

Stabat Mater per coro e organo

 

Il brano è stato composto nei mesi di novembre e dicembre del 2009 ed è scritto per coro misto con accompagnamento di organo. È stato presentato al V Concorso di Composizione “Premio Iconavetere”, organizzato dall’Associazione Musicale “Iconavetere” della Basilica di Foggia in collaborazione con il Pontificio Istituto di Musica Sacra, dove ha ricevuto la menzione speciale per particolari pregi compositivi per il genere contemporaneo.

[audio:http://www.musicamultimedia.net/composizioni/Andrea%20Amici%20-%20Stabat%20Mater%20per%20coro%20e%20organo%20%28seconda%20versione%29.mp3|titles=Stabat Mater per coro e organo|artists=Andrea Amici]

La registrazione è stata effettuata da Andrea Amici su Apple Computer con EWQL Symphonic Choirs Play Edition

Stabat Mater dolorósa
iuxta crucem lacrimósa,
dum pendébat Fílius.
Cuius ánimam geméntem,
contristátam et doléntem
pertransívit gládius.
O quam tristis et afflícta
fuit illa benedícta
Mater Unigéniti !
Quae moerébat et dolébat,
pia mater, cum vidébat
nati poenas íncliti.
Vidit suum dulcem natum
moriéntem desolátum,
dum emísit spíritum.
Eia, mater, fons amóris,
me sentíre vim dolóris
fac, ut tecum lúgeam.
AMEN

La scrittura corale è caratterizzata in vari punti da un “cromatismo espressivo” e, nel corso dei sei minuti circa di durata, l’autore ha cercato di alternare atmosfere di profonda tensione drammatica con momenti di minore vigore e improntati a un senso di dolorosa rassegnazione.

La parte organistica è scritta per essere eseguita comodamente su uno strumento dotato di due manuali (indicati in partitura come Grand’organo e Positivo) e pedaliera, anche se naturalmente può essere eseguita su strumenti più piccoli o più grandi; le indicazioni per la registrazione servono a dare una guida per la scelta timbrica da parte dell’organista e dei conseguenti piani sonori, anche se naturalmente sono da considerarsi dei punti di partenza, prestandosi la scrittura a particolari effetti sonori su strumenti dotati di un maggior numero di registri.

L’idea di mettere in musica il testo dello “Stabat Mater” è sempre stato per l’autore un progetto lungamente preso in considerazione; per l’occasione della partecipazione al “Premio Iconavetere” sono stati messi in musica alcuni versetti della sequenza, in particolare quelli che interpretano il dolore della Vergine di fronte a un momento di totale sconforto e a un’immane tragedia quale può essere per una madre la morte di un figlio: il dolore di Maria diviene il simbolo del dolore in generale e tutto il brano si configura come una meditazione sul tema della sofferenza umana di fronte all’apparente irrazionalità di una situazione drammatica.

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Inno a Sant'Andrea: Testo e altro

Signore, salire con Te sulla croce
è gioia e salvezza e redenzione.
Aiutaci ad andare incontro alla nostra croce
ogni giorno con serenità e amore,
come l’Apostolo Andrea
per partecipare con Lui
alla gloria che Tu prometti
a ogni uomo che ti ama.

Claudio Monteverdi - Sovra tenere herbette

Analisi della polifonia vocale: Claudio Monteverdi: Sovra Tenere Herbette

Claudio Monteverdi

Claudio Monteverdi

Questa composizione, appartenente al terzo libro dei madrigali di Claudio Monteverdi, rappresenta un ottimo esempio della evoluzione in fieri del pensiero musicale dell’autore che si dispiega, con l’aggiunta di sempre maggiori innovazioni, lungo tutto l’arco del corpus dei madrigali. Monteverdi, poco per volta, tende ad abbandonare i moduli espressivi dei suoi predecessori, sullo studio dei quali si era chiaramente formato, in favore di un discorso musicale sempre più aderente alle esigenze del testo poetico, introducendo delle novità sempre più significative e determinanti nel modo di trattare le voci del mezzo corale, con l’apporto, infine, nell’ultima fase della sua feconda vena madrigalistica, di  un deciso uso degli strumenti musicali, non già come raddoppio delle voci, pratica questa già da parecchio tempo in uso, come rivelano i più recenti studi musicologici sulle prassi esecutive d’epoca, ma con precise finalità espressive.

Il nostro madrigale è ancora da porsi ad uno stadio iniziale della ricerca monteverdiana, ma non per questo meno importante, dal momento che presenta delle peculiarità che lo rendono indubbiamente pregevole all’attenzione dello studioso e gradevole per il semplice fruitore.

Il testo poetico è di ispirazione pastorale e mi sembra facilmente ricostruibile nella sua veste metrica in base alle indicazioni tipografiche dell’editore e soprattutto grazie al testo musicale che aderisce perfettamente al testo poetico strutturandosi in episodi concatenati senza soluzione di continuità secondo criteri convergenti con la struttura metrica. Riporto quindi il testo poetico, secondo la mia ricostruzione, per maggiore chiarezza.

Sovra tenere erbette e bianchi fiori 1
Stava Filli sedendo 2
Ne l’ombra d’un alloro 3
Quando le dissi: Cara Filli io moro 4
Ed ella a me volgendo 5
Vergognosetta il viso 6
Frenò frangendo fra le rose il riso 7
Che per gioia del core 8
Credo ne trasse amore 9
Onde lieta mi disse: 10
Baciami Tirso mio 11
Che per desir sento morirmi anch’io 12

I dodici versi sono divisibili in quattro terzine composte da un endecasillabo e due settenari secondo il seguente schema: prime tre terzine composte da endecasillabo più due settenari; quarta terzina da due settenari più endecasillabo; alla regolarissima sequenza delle prime due terzine, incatenate dalla rima del terzo e quarto verso e del sesto e settimo verso, segue una struttura metricamente a palindromo per gli ultimi sei versi: la quarta terzina è lo specchio della terza.

Ad un’attenta analisi la macrostruttura del testo musicale aderisce perfettamente alla struttura del testo poetico che quindi dà la forma alla intera composizione. Monteverdi utilizza gli stessi moduli espressivi per le prime due terzine e per l’ultima, riservando alla terza un trattamento speciale sia per motivi inerenti alla valenza espressiva del testo, sia per ragioni squisitamente di equilibrio musicale: i versi 7, 8 e 9 sono il centro dell’organismo musicale, come la cima di un monte, impressione questa confermatami dal fatto che gli ultimi tre versi vengano ripetuti due volte, in modo tale che la simmetria con la parte iniziale, quella cioè prima del culmine, sia perfetta: abbiamo quindi, riepilogando, due sezioni costruite in maniera affine (le prime due terzine), una sezione centrale (la terza, vv.7-9), due sezioni affini (quarta terzina e sua ripetizione variata); il tutto segue, adesso più chiaramente, vista la ripetizione finale, una perfetta costruzione simmetrica che informa, secondo il numero delle sillabe dei versi e mettendo tra parentesi i versi 7-9, la costruzione delle sezioni del madrigale, come illustra il seguente schema:

verso 1 –  2 –  3  // 4 – 5 – 6 7 – 8 – 9 10 – 11 – 12 //  10 – 11 – 12
numero di sillabe 11 – 7 – 7 // 11 – 7 – 7 11 – 7 – 7 7  –   7  –  11//   7  –  7  – 11
————————-> Sezione Centrale <——————————

Nelle prime due sezioni (versi 1-6, miss.1-36) l’endecasillabo e il primo settenario sono trattati in maniera prettamente imitativa, o almeno non del tutto omoritmica, mentre i versi 3 e 7 hanno un andamento esclusivamente omoritmico. Nella quarta e quinta sezione (vv.10-12 e loro ripetizione, miss.56-89) il trattamento delle voci non segue la struttura a palindromo della metrica dei versi ma si dispone simmetricamente alle prime due sezioni: ai settenari è affidato un trattamento imitativo, essendo ora i primi due versi della terzina, agli endecasillabi un andamento omoritmico.

Dopo aver illustrato questa interessante macrostruttura all’interno del madrigale, vorrei ora rivolgere, alla luce di quanto già detto, l’attenzione ai singoli episodi.

Esempio n.1

Esempio 2

La prima sezione (vv.1-3, miss.1-12) è costituita da tre episodi ben caratterizzati, corrispondenti ognuno ad un singolo verso. L’incipit (esempio 1) ben si adatta all’atmosfera idillico-pastorale del testo: un dolce andamento omoritmico per terze parallele dei soprani primi e secondi dipinge, sul canto dei tenori che segue solo per la prima misura il ritmo delle voci più acute diversificandosi per il resto, il quadro della situazione poetica: l’atmosfera fuori del tempo, questa arcadia più sognata che vissuta in cui si svolge questo dialogo amoroso è, a mio parere, perfettamente rappresentata dall’alleggerimento del “peso” corale, dato dalla assenza di due delle cinque voci e principalmente dall’assenza dei bassi; il primo verso è musicato con una efficacissima frase ascendente che veste il ritmo anch’esso ascendente impresso dal poeta al primo endecasillabo che è formato da parole accentate sulla prima sillaba, tranne “erbette” che comunque essendo in sinalefe con la parola precedente non implica un cambiamento di ritmo poetico; il ritmo ascendente prepara, dipingendo l’atmosfera, l’epifania del personaggio femminile, Filli, che avviene nel secondo verso-episodio; questo (miss.4-9) è caratterizzato (esempio 2) da un doppio canone dominato dalla frase discendente del soprano II, il cui inciso iniziale è dato dall’elemento melodico della misura 3 del tenore, che fa da contrappeso alla frase ascendente del primo episodio; la risposta a questa frase, antecedente del primo canone, è affidata ai soprani I, mentre i soprani II ripropongono l’imitazione canonica a partire da un ben congegnato incrocio di parti che ne mette in rilievo l’entrata.

Lo schema quindi è:

SOPRANI I: proposta risposta
SOPRANI II: risposta

Contralti e tenori, intanto, propongono un altro canone caratterizzato da una melodia che non procede, come quella dei soprani I e II, per gradi congiunti ma per salti. Lo schema imitativo è uguale a quello dei soprani ma è disposto specularmente ad essi. Ecco quindi come appare il piano generale del doppio canone:

SOPRANI  I proposta A risposta A
SOPRANI II risposta A
CONTRALTI proposta B risposta B
TENORI risposta B

Quel criterio a palindromo che avevamo riscontrato nella struttura metrica si rivela qui nell’essenza della costruzione di questo episodio canonico; non è assolutamente casuale: esiste una macrostruttura e una microstruttura, due piani differenti di lettura, caratterizzati dai medesimi procedimenti costitutivi, applicati a diversi aspetti della composizione, testuale e musicale, creando così un perfetto sistema di correlazioni interne, come questa che abbiamo appena visto che si svolge tra macrostruttura della metrica del testo e microstruttura del doppio canone: l’idea strutturale di base è palesemente identica.

E’ interessante altresì notare che le imitazioni, all’interno del doppio canone, si svolgono tutte all’unisono e ciò perché l’effetto di immobilità e staticità, seppure in un contesto contrappuntistico, è richiesto dal testo poetico: Filli infatti ci appare come una bellezza immota in questo contesto di sogno, sempre uguale nel tempo, appunto perché figura irreale come tutto il paesaggio arcadico in cui è immersa, come sempre uguali sono le altezze delle frasi musicali; sotto questa luce si spiega anche chiaramente il fatto che Monteverdi, dopo aver presentato l’antecedente in una parte, non continua, mentre l’altra imita, con figurazioni libere, ma riproduce esattamente, a partire dal medesimo intervallo, la stessa frase, che risulta essere quindi a sua volta, per così dire, “conseguente del conseguente”.

Il breve episodio che conclude  la prima sezione è perfettamente omoritmico a parte il ritardo al contralto, in funzione cadenzante. A tal proposito è interessante notare come ormai si sia già fatta abbondantemente strada la sensibilità tonale: mentre il primo e il secondo episodio erano caratterizzati da un’area armonica che con terminologia “moderna” diremmo di modo minore, la fine della prima sezione è caratterizzata in modo netto dalla modulazione al relativo maggiore presente in questo episodio omoritmico (nella musica di Monteverdi la sensibilità dei modi antichi comincia a spostarsi e ad evolversi verso le polarità tipiche del sistema tonale che di lì a poco si sarebbe imposto per qualche secolo come unica forma di relazione armonica).

Esempio 3

Il primo episodio della seconda sezione (verso 4, miss.12-23) è particolarmente rilevante sia per il suo aspetto contrappuntistico, sia per la grande modernità del procedimento espressivo dell’incipit, che si ritroverà ampliato nella terza sezione. L’endecasillabo (verso 4) è nettamente diviso in due parti dal segno d’interpunzione (:); nelle miss.12-15 (esempio 3) i due emistichi sono presenti contemporaneamente in quattro delle cinque voci del coro: ciò è molto significativo, riguardo la modernità di questo madrigale, in quanto si ha una frantumazione dell’espressione poetica che trasmigra da una parte all’altra del coro, senza che nessuna voce esprima nella sua completezza il verso poetico, come, ad esempio, era avvenuto negli episodi precedenti. Chissà se Monteverdi, nella sua genialità e con la sua straordinaria inventiva ed originalità, aveva già prefigurato nella sua mente la possibilità di disgregare addirittura la parola affidando alle parti del coro non già un emistichio ma una o poche sillabe del testo; senza dubbio credo che ciò lo avrebbe fatto inorridire, visto che l’espressione poetica ne sarebbe risultata inintelligibile all’ascolto e ciò sarebbe andato contro la ricerca della valorizzazione della parola, oggetto di cura presso i compositori del tempo, ma sta di fatto che qui sono poste le basi, almeno ad un livello di intuizione embrionale, di quella radicalizzazione della frantumazione puntillistica del suono, estesa alla scrittura corale da quella orchestrale, praticata dai compositori postweberniani del nostro secolo, prevalentemente italiani, che teorizzarono, proprio nel tentativo di recuperare la tradizione corale della polifonia rinascimentale in chiave moderna, la disgregazione della parola o almeno del pensiero poetico disseminando le parole nello spazio sonoro delle voci del coro.

Anche nelle miss.12-15 si incontra un doppio canone, questa volta incrociato, o meglio anch’esso trasmigrante fra le parti del coro. Sono protagoniste due frasi antitetiche, una ascendente e una discendente, in contrappunto doppio rivoltabile. Il canone procede secondo questo schema:

SOPRANO I antecedente B conseguente A
SOPRANO II conseguente B
CONTRALTO conseguente A
TENORE antecedente A conseguente B

Si nota chiaramente la differenza con il precedente doppio canone: mentre prima le voci erano nettamente divise in due gruppi ora il procedimento contrappuntistico interessa nel loro insieme le quattro voci: il primo conseguente di ogni canone è all’unisono, esattamente come nel precedente episodio, ma quando il tenore e il soprano II intonano il conseguente B e il conseguente A, e quindi si ha la novità rispetto al precedente doppio canone dove la voce riproponeva la frase che  aveva già esposto, l’imitazione è alla quinta superiore.

Esempio 4

Dopo l’interessante canone le voci superiori erompono nel loro languore con una frase discendente per terze parallele; il testo è dato dal secondo emistichio del verso 4 e la melodia  è un’amplificazione di quella che ho indicata nello schema del canone come antecedente B, che si svolge sullo stesso testo: si tratta infatti di un raddoppio del numero delle semiminime discendenti, lasciando inalterato il numero delle altre figure (esempio 4, a sinistra): quattro semiminime e due minime al soprano II in risposta alla figurazione delle misure 13-14 del soprano I e quattro semiminime, una minima e due minime legate (= una semibreve) in risposta alla figurazione delle miss.14-15 del soprano II; dopo la presentazione di tale materiale sulle parole “Cara Filli” nel canone doppio e del materiale da esso derivato (“Cara Filli io moro”) le quattro voci (ancora il basso non ha partecipato al giuoco contrappuntistico) si lanciano in uno sviluppo imitativo, alternando le varie figurazioni sulle parole “Cara Filli io moro”.

Senza soluzione di continuità si innesta il successivo episodio sul verso 5 collegato al precedente non solo dalle caratteristiche strette imitazioni ma soprattutto dalla figurazione melodica della misura 24 dei bassi e dei soprani II che deriva direttamente da quella della misura 16 (soprani I e II). Tale figurazione viene riproposta nelle varie voci sia per moto retto che per moto contrario in vario ordine e a vari intervalli. Il discorso si assottiglia poi alle miss.31-33 con la scomparsa di soprani I e bassi e con l’allargamento dei valori musicali per cedere il posto alla chiusura di questa seconda sezione ancora con un episodio omoritmico, corrispondente simmetricamente al terzo verso di ogni terzina.

Claudio Monteverdi

Esempio 5

La sezione centrale, la terza secondo gli schemi che ho illustrato, corrispondente ai versi 7-9 e alle miss.37-55, appare come un vero e proprio sviluppo di tutto il materiale tematico finora incontrato.

L’espediente della frantumazione del testo poetico attraverso le voci del coro è qui usato in maniera più intensiva rispetto al precedente episodio. Notevole è soprattutto l’effetto drammatico dell’amplificazione della potenza sonora della parola “frenò” cantata dai bassi alla misura 37 risultante dall’aggiunta omoritmica dei soprani I e II, che per il resto non cantano fino alle miss.40-41, giustamente corredata dell’accento da parte del nostro editore.

Parlavo prima di sezione di sviluppo ed è proprio questa l’impressione che mi danno queste misure dove ogni elemento è più o meno palesemente tratto dagli episodi precedenti e credo si possa utilizzare proprio il termine tedesco durchführung, elaborazione, che nella sua prima valenza semantica significa “condurre attraverso”: qui Monteverdi prende buona parte dei frammenti melodici già usati e li “conduce attraverso” varie imitazioni contrappuntistiche che si svolgono anche a grande distanza. La misura 38 del contralto non è altro che la misura 1 del soprano per moto contrario, riprodotta per moto retto nella misura 39 sempre dai contralti ed imitata poi nelle due vesti dai bassi (mis.41), dai tenori (miss.42-43), ancora dai bassi (miss.45-46) e alternativamente da tutto il coro dalla mis.50 alla fine della sezione. La figurazione di quattro crome consecutive è presa dalla misura 2 dei soprani e trattata ora per moto retto, ora per moto retrogrado.

Esempio 6

Con la quarta sezione, corrispondente ai versi 10-12 e miss.56-71, riprende il trattamento simmetrico degli episodi, anzi la simmetria è qui particolarmente evidente in rapporto alla prima sezione: il primo episodio della quarta sezione (miss.56-60) riprende il moto parallelo dei soprani I e II che avevamo visto alle miss.1-3, amplificandolo però con una divisione del coro in due gruppi formati da soprani II e tenori da una parte e soprani I e contralti dall’altra, con una chiara allusione, come in miniatura, alla tecnica policorale veneziana, mentre i bassi eseguono una sorta di cantus firmus, con valori prevalentemente larghi, su cui i due semicori si rispondono alternativamente.

Il secondo episodio della quarta sezione (miss.61-64) è e in forma di canone, riprendendo il criterio generale del secondo episodio della prima sezione, con la differenza che adesso il canone non è doppio ma semplice, all’unisono o all’ottava e particolarmente stretto. Vi partecipano le quattro voci superiori con sette entrate: le prime tre dal registro centrale all’acuto (contralto —> soprano II), con un crescendo di media intensità; le restanti quattro entrate interessano in ordine tenori, contralti, soprani II e soprani II in maniera tale che il crescendo dal grave all’acuto sia più completo ed efficace: la ripetizione del canone, che avrebbe potuto interrompersi dopo le prime tre entrate, ha, nella sua diversità, una amplificazione funzionale alla perorazione del valore testuale. Chiude la sezione un episodio nella prima parte omoritmico, nella seconda caratterizzato da valori larghi e da un andamento sincopato che conferisce un senso quasi di affanno alle parole “sento morirmi anch’io”.

Chiude il madrigale una ripresa variata di quest’ultima sezione che dà a tutta la macrostruttura quel pieno equilibrio di cui ho parlato.

Sono fermamente convinto del fatto che il compositore sia stato particolarmente suggestionato dalle corrispondenze metriche del testo poetico e dalla sua struttura che nasconde, sotto l’apparente velo arcadico che può apparire sdolcinato e anche poco impegnativo alla sensibilità del nostro secolo, un processo creativo fondato su premesse profondamente razionalistico-costruttive; Monteverdi, dopo aver compreso la profondità del testo che aveva di fronte, lo ha assimilato non già nel suo carattere esteriore e superficiale, ma nella profondità dei suoi assunti costruttivi ed il suo genio creativo ha estrinsecato la sua risonanza replicando con un complesso sistema organico di simmetrie a livello di macro e micro struttura e di corrispondenze incrociate dei due piani di lettura che abbiamo illustrato per cui si nota in ogni particolare il riflesso della struttura generale e viceversa.

La compenetrazione tra musica e testo, tanto sognata e vagheggiata sin da quando un compositore ha posto in musica della parole, è qui perfettamente riuscita, facendosi verità artistica dal momento che il testo è rivissuto dalla musica addirittura nella sua valenza strutturale e la forma generale del madrigale – e qui sta, a mio parere, la vera grandezza del suo compositore – non è un semplice calco della forma poetica, ma un organismo fatto delle medesime cellule costitutive del testo poetico che si manifestano in un linguaggio di suoni: veramente in questa composizione il termine “poesia” nella sua accezione etimologica di poiesis, atto creativo, è assolutamente indifferente al mezzo di  produzione, note o parole: è una poesia nuova, fatta di espressioni verbali ed espressioni musicali, che vivono in perfetta simbiosi, pur provenendo da due menti diverse, e che condividono le stesse esigenze, in una sintesi che non ha eguali.

Andrea Amici – Messina, 26-27 giugno 1995

Gli esempi musicali sono tratti dalla partitura disponibile online sul sito “CDPL.org – Choral Public Domain Library

Salmo 116 incipit

Salmo 116 per coro e pianoforte


Andrea Amici riceve il primo premio al Concorso di Composizione su testi sacri - Comunità Evangelica Luterana di Napoli, 27 aprile 2009

Andrea Amici riceve il primo premio al Concorso di Composizione su testi sacri – Comunità Evangelica Luterana di Napoli, 27 aprile 2009

Il Salmo 116 per coro e pianoforte di Andrea Amici è stato composto nel 2008 per la partecipazione alla IX Edizione del Concorso di Composizione “Musica e Cultura a Piazza dei Martiri” indetto dalla Comunità Evangelica Luterana di Napoli.

Il brano è stato eseguito nel corso del concerto delle composizioni finaliste del concorso il 27 aprile del 2009 nella sede ecclesiastica luterana di Via Carlo Poerio, nei pressi di Piazza dei Martiri, a Napoli, ed è stato premiato con il primo premio con voto unanime della giuria tecnica formata da Patrizio Marrone, direttore del Conservatorio di Napoli, dai compositori Carlo Galante e Gaetano Panariello, da Daniele Spini, attualmente direttore artistico per la musica e la danza del Teatro di Udine e da Eduardo Bochicchio, che ha diretto la prima esecuzione con il Coro Luterano di Napoli.

La registrazione dal vivo della prima esecuzione assoluta del Salmo 116 per coro e pianoforte, nel corso del concerto delle composizioni finaliste della IX Edizione del Concorso di Composizione “Musica e Cultura a Piazza dei Martiri” con l’assegnazione del primo premio ad Andrea Amici – Napoli, 27 aprile 2009

Animazione reaizzata da Andrea Amici

Parole e musica: la composizione del Salmo 116

Il brano è una lettura musicale di una parte dello splendido testo del Salmo 116, una voce di speranza nella redenzione e nella beatitudine finale.

Il testo italiano, suggerito nel bando del concorso, è quello tratto dalla Bibbia luterana, una traduzione molto vicina al testo latino della Vulgata antica.

Nel corso della composizione vengono attraversate atmosfere diverse, sollecitate dal testo che viene musicalmente approfondito nei suoi valori semantici e letterari ma soprattutto spirituali, in un linguaggio che riporta in vita stilemi corali e madrigalismi del passato con una vocalità che si modella sul parlato, stratificazioni armoniche che collegano insieme tonalità e modalità, libere aggregazioni sonore e testure vocali sempre varie che si intrecciano con il discorso pianistico che si presenta non come semplice accompagnamento ma come parte integrante della ricerca di una sintesi tra note e parole.

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