Andrea Amici

musicamultimedia.net

Categoria: Blog Page 1 of 9

Dorico and VSL

Dorico + VSL

Dorico e il Synchron Player della VSL

Grandi novità per il mondo della notazione, un passo verso una maggiore integrazione fra partitura e suono: Vienna Symphonic Library e Dorico avviano una vera e propria partnership con la release di expression map e template per l’utilizzo di tutti i volumi della Synchron-ized Special Edition con l’innovativo software di notazione Steinberg. 

Le premesse sono molto interessanti: un installer che si scarica dalla propria pagina personale sul sito VSL crea automaticamente tutte le expression map e i template necessari per rendere pressoché immediatamente operativo il playback senza particolari interventi da parte dell’utente. 

Soltanto si rende necessario operare qualche scelta, prima fra tutte l’utilizzo o meno della Vel.FX, l’uso cioè di un controller per la dinamica degli strumenti anziché la velocity della nota, opzione che “consuma” risorse ma naturalmente è essenziale per accrescere il realismo; il parametro si attiva e si disattiva con un semplice controller midi (il 28 di default) che può essere inserito nell’apposita traccia all’interno della finestra di riproduzione di Dorico, dove, fra l’altro, (cosa questa che rende il software Steinberg estremamente versatile) si può intervenire su tutti i parametri offerti dal Synchron Player della VSL, mappabili interamente con controlli midi, per rendere il playback più realistico. 

Vel.FX on off

Le expression map sono comunque già pronte per lavorare contemporaneamente con e senza Vel.FX, perché la dinamica viene controllata contemporaneamente dalla velocity e dal CC2 (il controller di default per la Vel.FX), quindi semplicemente inserendo l’evento midi di attivazione o disattivazione ci si può avvantaggiare di entrambi i sistemi: per le note tenute, ad esempio, è più naturale l’utilizzo di un controller per la dinamica, mentre per le note staccate è più che sufficiente la velocità di pressione.

Expression map

Le possibilità di sviluppo sono ovviamente notevoli: con gli strumenti messi a disposizione è possibile utilizzare out of the box i suoni utilizzando il modello di riproduzione installato, che si occupa di caricare e mappare gli strumenti, ma naturalmente le varie expression map possono essere integrate in un template più ampio, che metta insieme più librerie sonore, anche “all’esterno” di Dorico, ad esempio con Vienna Ensemble Pro.

I brani dimostrativi mettono in rilievo le potenzialità dell’integrazione.

Maggiori informazioni sul Blog di Dorico e nelle sezioni dell’help online di Vienna Symphonic Library:

https://www.vsl.info/en/tutorials/guides/dorico-integration/quickguide

Space 1999 Symphonic Virtual Orchestration

Space 1999 Main Title – Virtual Orchestration

Space 1999 Main Title – Music by Barry Grey
Symphonic Virtual Orchestration by Andrea Amici

13 Settembre 1999: un’esplosione termo­nucleare sul lato oscuro della Luna, causata da un accumulo di scorie atomiche e dalla sottovalutazione di alcuni segnali dell’imminente pericolo, spinge il satellite nello spazio fuori dall’orbita terrestre. Gli oltre trecento occupanti della Base Lunare Alpha iniziano cosi il loro vagare senza meta nello spazio profondo, di volta in volta attratti da altri corpi celesti, attraversando buchi neri e venendo a contatto con civiltà aliene, strani mondi e fenomeni sempre più inspiegabili.

Spazio 1999

Era un appuntamento particolarmente atteso quello con gli episodi di Spazio 1999, la serie televisiva di fantascienza ideata da Gerry e Sylvia Anderson negli ormai lontani anni Settanta. Fra stranezze e improbabilità scientifiche la serie riusciva comunque ad avere i suoi spunti di interesse: era avventurosa, con alcune belle trovate scenografiche, ma anche riflessiva, almeno nella sua prima stagione, quella che esprimeva al meglio le intenzioni dei suoi creatori. Alla base di Spazio 1999 vi è l’idea di un disastroso incidente dovuto a una sostanziale incuria ed eccessiva fiducia positivista in un progresso esponenziale e acritico, nella percezione della tecnologia come fonte di una vera e propria onnipotenza umana sprezzante della natura stessa. Un messaggio forte se si considera il periodo storico in cui la serie fu realizzata, e in realtà ancora di grande attualità, almeno nelle sue linee generali.

La colonna sonora

La colonna sonora della prima stagione fu realizzata da Barry Gray, che compose la sigla iniziale e le musiche per vari episodi, e da Vic Elms che partecipò con la parte di musica elettronica; nella versione italiana esistono anche dei contributi di Ennio Morricone. La seconda stagione fu invece affidata a Derek Wadsworth, probabilmente più adatto al nuovo format, meno riflessivo e più d’azione.

Il rescoring della sigla iniziale

Ho voluto riproporre la sigla iniziale della prima stagione, dandole una veste sinfonica unitaria, senza l’originale contrasto tra introduzione e intermezzi orchestrali da una parte ed esposizione del tema vero e proprio affidato a una strumentazione pop/rock. In questo modo ho voluto avvicinare questo brano alla sensibilità della cinematografia dei nostri giorni: potrebbe essere la sigla iniziale o conclusiva di un film-remake, basato sulle idee originali della serie.

L’orchestrazione virtuale e il video

Per l’orchestrazione virtuale, realizzata in Logic Pro X, ha utilizzato le librerie strumentali della Composer Cloud X della East West e Synchron-ized Special Edition Vol. 1 e 2 e Big Bang orchestra della Vienna Symphonic Library. Il video è realizzato con Final Cut Pro X e combina le immagini della sigla del primo episodio, “Separazione”, con lo screencast del progetto in Logic.

Buon compleanno Arvo Pärt

Il compositore Arvo Pärt, che oggi compie ottantacinque anni, è una delle voci più significative della musica contemporanea.
Nato a Paide, in Estonia, l’11 settembre 1935, si è imposto sulla scena internazionale quando, dopo gli esordi nel solco della dodecafonia e le prime significative prese di distanza da essa, intorno agli anni Settanta emerse da un lungo “silenzio” creativo con uno stile personale del tutto nuovo, che sarebbe stato la sua originale cifra espressiva, carica anche di sviluppi futuri.

Arvo Pärt
(Photo Priit Grepp – Arvo Pärt Centre)

Dopo due sinfonie e altre importanti opere quali “Credo“, “Collage über B-A-C-H”, “Solfeggio“, “Perpetuum mobile” (tutte comunque ancora saldamente in repertorio e presenti in discografia), Arvo Pärt si convinse di aver imboccato una strada senza sbocchi, un binario morto; ecco quindi farsi avanti la necessità di non scrivere più, immergendosi nella lettura della musica antica, in particolare il canto gregoriano contenuto in un Liber usualis trovato in una chiesetta di Tallin, alla ricerca della conduzione di una “linea primitiva”, essenziale, «portatrice di un’anima, come quella che esisteva nei canti di epoche lontane: una monodia assoluta, una nuda voce dalla quale tutto ha origine», secondo le parole del compositore stesso, raccolte da Enzo Restagno nel libro Arvo Pärt allo specchio (Il Saggiatore, 2004). In questa ricerca diviene fondamentale il contatto con i testi sacri, in particolare i Salmi biblici, letti, uno alla volta, prima di compiere una sorta di esercizio di scrittura di una singola linea, giungendo così a riempire pagine e pagine di monodie, liberamente, alla ricerca di quella sorgente primaria antecedente al tecnicismo della composizione.

Da questo percorso a ritroso, con la progressiva aggiunta di una seconda voce e via via di una densità sempre maggiore pur nel primato della linea principale, nasce lo stile tintinnabuli, spesso associato all’idea di un minimalismo sacro, da cui prenderà il volo la produzione matura di Arvo Pärt, che di lì a poco sarebbe diventato uno dei compositori contemporanei più amati ed eseguiti, capace, con una musica che nasce praticamente dal silenzio, apparentemente semplice, volutamente scarna, di parlare alla profondità dell’uomo, impegnandolo in un salto oltre il rumore della contemporaneità, alla scoperta di quel silenzio originario – che non è vuoto, ma mistica e concreta presenza – da cui prende voce prima un singolo suono, quindi, in maniera ordinata, il resto.

Descrivere brevemente le caratteristiche dello stile tintinnabuli è impresa alquanto ardua, perché nella sua apparente semplicità nasconde tutta una serie di profonde riflessioni tecniche sulle risonanze delle voci (tintinnabulum è, in latino, la campana e proprio alle sue capacità risonatorie si riferisce la definizione del compositore), sull’organizzazione di micro-modi basati sulle scale (prevalentemente minori, ma non solo), sulla rispondenza tra la metrica del testo (presente o solo immaginato) e la struttura ritmica, sulle possibilità combinatorie del contrappunto.

Riducendo però l’ansi l’analisi ai soli elementi costitutivi, la tecnica del compositore si può riassumere in una modalità di organizzazione dello spazio sonoro centrato su una monodia-perno, che ha al suo interno degli elementi costitutivi di strutture verticali che vengono realizzate per aggiunta, secondo criteri ben organizzati, di nuove voci poste a precise distanze intervallari e tratte principalmente da ridotte costruzioni triadiche.

Osservando l’inizio del Kyrie della Berliner Messe si può avere un primo esempio della complessità e insieme efficacia della scrittura di Arvo Pärt.

Berliner Messe - Schema

Lo schema qui sopra riproduce l’ossatura orizzontale e verticale delle prime misure del brano. La base è una semplice scala di sol minore naturale, suddivisa in segmenti che partono dal suono base (sol) o su di esso si concludono; il numero di gradi congiunti che compongono ogni segmento dipende dal numero di sillabe della parola musicata. Considerando che alla sillaba tonica vengono assegnate due altezze, alla parola Kyrie corrispondono quindi quattro note, alla parola eleison cinque. Anche il ritmo è trattato secondo uno schema fisso, legato alla parola: la sillaba tonica ha una durata di una semiminima più una minima puntata (4/4 in totale), le altre sillabe di una semiminima, tranne quella conclusiva che si prolunga di un ottavo. Si crea così una linea principale che nell’esempio è scritta in nero e, per praticità, in note tonde senza ritmo.

Da un punto di vista verticale, dopo la prima enunciazione monodica sulla parola Kyrie, il compositore prende la triade minore del primo grado della scala (sol-si bemolle-re) e ne utilizza le note in un contrappunto 1:1; dapprima aggiunge una sola linea (indicata in rosso), scegliendo dall’accordo di sol minore alternativamente la nota più prossima alla linea principale nel grave e nell’acuto: al re si contrappone il si bemolle inferiore (indicato nell’esempio con -1, perché è il suono immediatamente sotto il re nell’accordo di sol minore), al do il re superiore (+1 perché la nota dell’accordo di sol minore immediatamente sopra il do), al si bemolle il sol (di nuovo -1) e così via. Si crea così anche un’alternanza fra intervalli diversi, contenenti diversi gradi di tensione; non si parla di dissonanze e consonanze, termini inadeguati in questo contesto, ma appunto di tensioni, qualità, risonanze diverse, che riescono a creare la tipica atmosfera del compositore estone.

Proseguendo, nella frase successiva alla seconda linea se ne aggiunge una terza, anch’essa con lo stesso procedimento, utilizzando esclusivamente le note dell’accordo di sol minore. Stavolta la seconda linea ha un rapporto di +1 con la linea principale, mentre la terza -1: in sostanza le due voci aggiunte procedono fra di loro per moto contrario.

Ancora, nell’ultima frase presa in esame, il procedimento si arricchisce di una quarta linea (indicata in blu) che si muove stavolta parallelamente alla linea principale, alla distanza di sesta; le due linee aggiunte proseguono, con rapporto alternato +1 -1, la prima nei confronti della linea fondamentale, la seconda della quarta linea a essa parallela.

Come si vede, pur in questo primo esempio, l’apparente quasi disarmante “nudità” ed essenzialità della musica di Arvo Pärt nasconde una notevole complessità di scrittura, non fine a se stessa, ma strettamente ancorata alle radici di quel “silenzio” di cui si parlava precedentemente, una struttura che comunque l’orecchio riesce a percepire come solida organizzazione.

Arvo Pärt
(Photo Birgit Püve – Arvo Pärt Centre)

Naturalmente nel corso degli anni lo stile tintinnabuli, di cui ho presentato qualche aspetto fondamentale ma che in realtà ha una ben maggiore complessità e ricchezza, ha visto una continua evoluzione, nella direzione di un notevole arricchimento del materiale armonico utilizzato e della cromatizzazione delle varie linee, e anche della complessa disposizione formale delle varie costellazioni sonore all’interno del singolo brano.

Esempi della piena maturità espressiva di Arvo Pärt e – a mio avviso – della sua migliore produzione sono contenuti in tre più recenti album editi dalla ECM, etichetta alla quale il compositore estone deve anche in parte la sua eccezionale diffusione, grazie al duraturo sodalizio con il produttore discografico Manfred Eicher che della ECM è stato il fondatore.

Arvo Part - In Principio - Lamentate - Symphony n.4

Lamentate, del 2005, contiene un lavoro per pianoforte e orchestra (che dà il titolo all’album), in dieci parti, con lo strumento solista trattato come una persona, la prima persona di una narrazione, a confronto con i grandi temi della morte e della sofferenza, espressi in una forma che si rifà alle sculture di grandi dimensioni dell’artista britannico Anish Kapoor, cui il brano è dedicato, sculture che, a detta del compositore, infrangono i concetti di spazio e tempo. In questa incisione il pianoforte è affidato a Alexei Lubimov e Andrey Boreyko dirige la SWR Stuttgart Radio Symphony Orchestra. Apre l’album uno splendido esempio della musica vocale di Arvo Pärt, Da pacem, interpretato dall’Hilliard Ensemble.

In Principio accosta tre grandissimi capolavori che esprimono tutta la profondità del pensiero e dell’arte del compositore estone: il brano in cinque parti che dà il titolo all’intero album, per coro e orchestra, sul Prologo del Vangelo di Giovanni, La Sindone, per orchestra, commissionato da Enzo Restagno per il festival Settembre Musica di Torine nel 2006, vetta assoluta della scrittura di Arvo Pärt, e Cecilia Vergine Romana, sempre per coro e orchestra, scritta per il Giubileo del 2000, assieme ad altri brani che sono riproposizioni di pezzi scritti precedentemente per altri organici, caratteristica questa molto diffusa nell’esperienza creativa di Arvo Pärt che più volte ha continuato a ritornare sui suoi passi, rielaborando i propri lavori per nuove situazioni strumentali. In questo album spicca la figura del direttore d’orchestra Tōnu Kaljuste, prezioso interprete specialista del compositore estone, attorniato dalla perfezione esecutiva dei complessi dell’Estonian Philharmonic Chamber Choir, dell’Estonian National Symphony Orchestra e della Tallinn Chamber Orchestra.

Infine la Sinfonia n.4 “Los Angeles”, commissionata dalla Los Angeles Philharmonic, con un più o meno esplicito riferimento a una preghiera all’angelo custode presente in un antico canone della chiesa slava cui il compositore si stava dedicando al tempo della commissione del lavoro con la composizione del Kanon Pokajanen, brano che chiude fra l’altro l’album, diretto da Tõnu Kaljuste. La sinfonia segna il ritorno, dopo trentasette anni, a un lavoro per orchestra di più larghe dimensioni, in cui i procedimenti compositivi di Arvo Pärt si dipanano in più complesse strutture, in un percorso sonoro di grande bellezza e suggestione. La Sinfonia è diretta da Esa-Pekka Salonen, alla guida della Los Angeles Philharmonic; proprio Salonen fu il direttore della prima assoluta alla Walt Disney Concert Hall di Los Angeles, performance storica, presente, oltre che in questo, anche in un album della Deutsche Grammophon.


Non sono tante le nuove composizioni di Arvo Pärt, che fra l’altro dedica, come accennavo prima, molto tempo anche alla revisione dei suoi lavori precedenti e alla loro trasformazione in nuove versioni per organici strumentali diversi. Fra le sue ultime creazioni spicca sicuramente Silhouette scritta nel 2010 come omaggio a Gustave Eiffel; è possibile vederne e ascoltarne la pregevole prima esecuzione assoluta con l’Orchestre de Paris diretta da Paavo Järvi, sul canale YouTube del direttore d’orchestra.

L’ultimo in ordine di composizione, al momento, è un brano per coro dal titolo And I heard a voice.

Per chi volesse invece in breve attraversare l’intero percorso musicale di questa singolare voce della musica contemporanea, si segnala la bella antologia della ECM dal titolo Musica Selecta.

Non resta che augurare quindi lunga vita a questo compositore che è riuscito ad affermare la propria musica caratterizzata da una profondità fuori dal comune, un artista capace di imporre il silenzio, la riflessione e la sua stessa religiosità in mezzo alla frenesia, al rumore e al consumismo del mondo contemporaneo, a rimanere se stesso nonostante l’enorme successo mondiale abbia reso i suoi lavori fra i più eseguiti e incisi al mondo.

Andrea Amici YouTube Channel

You don’t own me: Harley Queen ritrae Joker

Per i più giovani (e non solo) ieri sera, 9 settembre, appuntamento con la prima TV sul canale Mediaset Italia 1 di Suicide Squad, il film del 2016 scritto e diretto da David Ayer basato sulla squadra di pericolosi criminali dei fumetti DC Comics.

Personalmente non amo molto il genere, non ho visto il film e ieri sera mi sono invece dedicato al bellissimo Hidden Figures (Il diritto di contare), la storia della matematica afroamericana Katherine Johnson e delle sue amiche che, sullo sfondo della società razzista e sessista degli Stati Uniti degli anni Sessanta del Novecento, collaborò in maniera decisiva al successo del programma spaziale della NASA.

Ritornando all’universo dei CineComics, mi sono ricordato che ad Harley Queen e Joker abbiamo dedicato, mia figlia Elena e io, un “episodio” della nostra “Art Drawing & Music“, quasi quattro anni fa: sulle note del mio arrangiamento di “You don’t own me” di John Madara e David White, Harley/Elena disegna un ritratto di Joker…


La serie completa di Art Drawing & Music

Ask me again

Un inedito di George Gershwin

Ottantatré anni fa, precisamente l’11 luglio, moriva improvvisamente George Gershwin; il suo stato di salute era vertiginosamente precipitato dal principio del 1937 a causa di un grave tumore al cervello della cui esistenza i medici si sarebbero accorti solo quando ormai i suoi devastanti effetti stavano per portare il compositore alla sua prematura fine.

L’ultimo progetto cui Gershwin si stava dedicando nei suoi ultimi mesi di vita era The Goldwyn Follies, un film che uscì nel 1938. Intrecciata in qualche modo alla sua lavorazione è Ask me again una delle più belle song scritte dalla coppia George & Ira Gershwin, ritrovata nel 1982 dall’infaticabile araldo dell’American Songbook Michael Feinstein (che di Ira fu anche catalogatore e collaboratore) e rimasta inedita fino al mese di aprile del 1991.

Il brano debuttò a Broadway nel 1990 in una produzione di David Merrick del musical di Gershwin “Oh, Kay”, sebbene già da qualche anno era stato presentato da Feinstein.

Ask me again ha la tipica struttura di quasi tutte le canzoni di Gershwin, con un verse introduttivo che apre alla sezione principale, e si distingue per un’incomparabile bellezza, unita a una freschezza e apparente semplicità e a una certa vena a tratti malinconica, caratteristiche tutte che portano il brano ai vertici indiscussi della produzione vocale di Gershwin.

La Seconda Preghiera per organo alla Methuen Memorial Music Hall

L’8 luglio 2020 Leonardo Ciampa ha brillantemente eseguito la Preghiera per organo n. 2 “Sub tuum praesidium confugimus” in un concerto tematico dedicato alla musica per organo italiana alla Methuen Memorial Music Hall, nello stato del Massachusetts (USA).

Andrea Amici: Preghiera per organo n.2 - Leonardo Ciampa - Methuen Memorial Music Hall - Fai clic per aprire il video.
Clic sull’immagine o sul link per ascoltare il brano (link esterno su YouTube)

L’interpretazione di Leonardo Ciampa della mia “Preghiera n.2 – Sub tuum praesidium confugimus” (scritta per lui nel 2008) offerta in questo concerto è di assoluta perfezione e da considerarsi “di riferimento”. Leonardo è riuscito ad andare al cuore della spiritualità del mio brano, esprimendo, grazie anche allo splendore timbrico di questo strumento, ogni più piccola sfumatura, tra suono e silenzio. Grazie per questa incomparabile emozione e grazie allo staff della Methuen Memorial Music Hall per l’ottima ripresa audio e video.

Andrea Amici

And hearing the new, modern works by Amici, di Tullio, Yon, and Ciampa offers even more unexpected delights—it’s heartening to know that composers are still writing solid music for the organ, clearly a heritage that dates back centuries, as shown in this recital.

Max Derrickson (Arts Editor)
Apple WWDC 2020

“Gran nuova, gran nuova” – la Apple che verrà – iOS 14

Grandi novità alla sessione inaugurale della WWDC 2020, la prima esclusivamente online a causa delle restrizioni imposte dalla pandemia da COVID-19; l’evento che ogni buon appassionato dell’universo di Cupertino attende con impazienza (anche se ultimamente la suspense è molto attenuata dal progressivo abbandono della tradizionale blindatura delle novità) pure quest’anno ha portato tanta innovazione in tutti i vari settori dello sviluppo Apple.

Il Keynote del 22 giugno si è aperto con l’introduzione del CEO Tim Cook, con un primo pensiero rivolto ai recenti tragici eventi legati al “doloroso passato presente ancora oggi“, la lunghissima storia di razzismo che attraversa pure nel nostro tempo la società degli Stati Uniti d’America e non solo. È una sintesi di quanto già espresso in una pagina del sito della Apple, una decisa presa di posizione e un impegno per il futuro, dal punto di vista di una grande azienda che sicuramente ha un grosso peso a livello mondiale.

Si parte quindi con le novità su tutti i fronti e non si poteva che iniziare dall’elemento di traino: la “reimmaginazione” dell’esperienza di utilizzo dell’iPhone con il nuovo iOS 14.

La Home Screen ha un completo restyling, con l’App Library capace di eliminare le icone sparse in pagine e pagine da sfogliare sul dispositivo per raccoglierle tutte in un’intuitiva e organizzata singola schermata principale, per tipologia oppure, grazie a un sistema di intelligenza artificiale, a seconda dell’utilizzo. Si può quindi scegliere quante pagine della Home Screen visualizzare, oppure nasconderle per accedere in maniera immediata all’App Library.

App Library
App Library

Nella Home Screen entrano anche i Widget, nuovi e di dimensioni variabili, con un semplice drag and drop. L’organizzazione è affidata a Smart Stack, capace di personalizzare i widget in base alle abitudini dell’utilizzatore.

Widget
La nuova Home Screen di iOS 14

E approda finalmente sull’iPhone il PiP (Picture in Picture), la possibilità di rimpicciolire e guardare un video mentre si utilizza un’altra app o si sfoglia la Home Screen. La funzione è anche disponibile per le chiamate FaceTime.

Cambiamenti anche per Siri: le interazioni con l’assistente vocale hanno un nuovo design, con risultati che appaiono in piccole porzioni di schermo al di sopra dell’app aperta, in modo da non perdere di vista ciò che si stava facendo prima.

Siri
Siri

Siri sarà anche più reattiva e utile, capace di rispondere a un numero di gran lunga maggiore di richieste e con un sistema migliorato di dettatura e sarà capace anche di inviare messaggi audio. Viene anche introdotta la nuova funzione di traduzione, senza bisogno di connessione a un server su internet, anche con una nuova app esterna, Translate, che supporta una modalità “conversazione” orientando il dispositivo in orizzontale.

Translate
Translate

iOS 14 punta molto anche sul miglioramento dell’app Messaggi, con nuovissime Memoji, gestione dei gruppi, conversazioni fissate in alto nell’elenco dei messaggi, menzioni e risposte incorporate, personalizzazione delle conversazioni con foto, immagini o emoji.

L’app Mappe porta con sé nuove funzioni per la navigazione e l’esplorazione, la ricerca di punti di interesse, nuove possibilità per la pianificazione di un percorso, indicazioni personalizzate per ciclisti, traffico, barriere architettoniche, mobilità “verde“, anche con l’introduzione di EV Routing, dedicato ai veicoli elettrici.

Sempre in tema di mobilità, Car Play si arricchisce di nuove funzioni compresa la nuovissima “chiave” virtuale per aprire i veicoli supportati, con la possibilità anche di inviare la chiave tramite un iMessage.

Un’altra nuova interessante funzione di iOS 14 è App Clips, definita una “porzione di app”, non più grande di 10mb, associata a un particolare prodotto, una particolare situazione o esperienza, quando è necessario avere a disposizione una semplice funzione, utile a completare una specifica attività, per esempio noleggiare uno scooter, acquistare un caffè o pagare un parcheggio, con estrema rapidità e facilità, semplicemente con la scansione di un nuovo codice App Clip o attraverso tag NFC e codici QR, oppure da Messaggi, Mappe o Safari. Le clip sono integrate naturalmente con i sistemi Apple Pay e Sign In with Apple.

App Clips

Ancora iOS 14 porterà con sé novità anche per l’app Casa, con nuovi suggerimenti di automazione e controlli estesi nel Centro di Controllo, Adaptive Lighting per i sistemi di illuminazione compatibili con HomeKit, riconoscimento facciale on-device. Gli AirPods saranno in grado di passare istantaneamente da un dispositivo all’altro a seconda della situazione, e gli AirPods Pro si arricchiranno con l’audio spaziale con head-tracking dinamico, per un’esperienza “immersiva” guidata dal movimento della testa. Trova il mio supporterà anche dispositivi e accessori di altri produttori, mentre Safari sarà ancora più attento alla privacy e si arricchirà di una funzione di traduzione integrata per intere pagine web. Nuove funzioni per l’app Salute comprendono la gestione del sonno e nuovi tipi di dati, mentre l’app e il widget Meteo offrono aggiornamenti su eventi meteorologici più estremi e sulle precipitazioni minuto per minuto.

Con sempre maggiore attenzione alla privacy dell’utente e alle funzioni di accessibilità, iOS 14 sarà disponibile per gli utenti dal prossimo autunno per tutti gli iPhone dal modello 6s in poi.

Inserire dinamiche precise in Dorico

Inserire le dinamiche in Dorico è un procedimento caratterizzato da grande flessibilità: dalla semplice scelta del segno e conseguente “clic” su un elemento della partitura all’uso del popover, il software targato Steinberg permette di scegliere di volta in volta la modalità più appropriata e più consona al proprio modo di lavorare e alla situazione, ma soprattutto dà la possibilità di inserire le dinamiche con estrema precisione nei punti desiderati.

Tralasciando i metodi più ovvi nella logica del software, voglio soffermare l’attenzione su un approccio molto interessante e utile, interamente da tastiera, adatto all’inserimento di più segni uno dietro l’altro, quali ad esempio una dinamica di partenza, delle forcelle di crescendo/diminuendo e altre dinamiche fosse intermedie e finali.

Per prima cosa posizionarsi nel punto della partitura dove inserire il primo segno, premendo Maiuscolo+N; ci si può naturalmente spostare a destra o a sinistra con i tasti freccia, aumentando o diminuendo se necessario la griglia, per posizionarsi in maniera precisa, anche non in corrispondenza di una nota. Attivare quindi il popover, con la combinazione di tasti Maiuscolo+D. Inserire la dinamica; se si tratta di una dinamica immediata, come pp e f, inserire digitarla e premere Invio; se invece si tratta di un crescendo (o diminuendo), digitare < (o >), premere Invio e poi la barra spazio per “allungare” quanto necessario la forcella, quindi premere Invio per terminare.

Con un po’ di pratica il procedimento diviene molto logico e intuitivo, dando degli ottimi risultati.

Nel centenario di Giovanni Paolo II

Giovanni Paolo II

Una vecchia foto, abbastanza scolorita, richiama alla mia memoria la prima volta che ho visto dal vivo Giovanni Paolo II, a Piazza San Pietro il 25 maggio del 1983. Ero ragazzino e poco dopo aver scattato quest’immagine un poliziotto mi accompagnò ancora più vicino al Papa. 

L’ho rivisto ancora l’11 giugno 1988 a Messina e poi a Reggio Calabria, ma naturalmente il ricordo più forte, vivo ed emozionante rimane il primo. 

Giovanni Paolo II è stato una figura centrale, costante e vicina, duratura, che ha segnato in maniera unica una parte significativa della mia vita: ne ho visto la prima apparizione alla loggia della Basilica di San Pietro quando ancora ero bambino (e come fu grande la sorpresa, anche nei più grandi, naturalmente, alle sue prime parole) e quando morì ero marito e padre, e ormai già avviato nella mia vita lavorativa.

Stamattina Papa Francesco, nell’omelia della Messa celebrata in occasione del centenario della nascita di Karol Wojtyła, ha ricordato come “il Signore ha visitato il suo popolo (cfr Es 4,31), perché lo ama” e “ha inviato un uomo, lo ha preparato per fare il vescovo e guidare la Chiesa”: non possiamo che esser grati per questo grande dono, per questo grande segno che ha illuminato l’ultima parte di un secolo denso di contraddizioni, traghettando la Chiesa nel difficile nuovo Millennio. 

Andrea Amici dirige l'Orchestra MusiDOC

Ricordi del 2012

Una serata speciale, quella del 10 maggio di otto anni fa, in un luogo simbolo di Catania, Piazza Università, che si fa per alcune ore palcoscenico per i docenti di strumento di alcune scuole secondarie di primo grado a indirizzo musicale, riuniti in un bel concerto nell’ambito delle manifestazioni denominate “Catania in Prima… Vera” organizzate dall’amministrazione comunale della città. 

Perpetuum - MusiDOC 2012

Nella parte finale ho partecipato anch’io come compositore / arrangiatore / direttore d’orchestra, alla guida dell’Ensemble MusiDOC, una formazione che avrei guidato anche in altre occasioni, di volta in volta costituita da diversi docenti, spesso riuniti in organici alquanto bizzarri; in programma due miei medley, uno su brani di George Gershwin, l’altro su temi tratti dal musical My Fair Lady, e una composizione originale, Perpetuum, scritta per l’occasione. 

Il brano, dedicato ai musicisti che l’hanno eseguito per la prima volta, è diviso in tre sezioni; ognuna rappresenta una diversa meditazione su un particolare aspetto del “tempo”; nella prima parte si indaga sulle proprietà combinatorie del “tempo” musicale, inteso come ritmo; la seconda parte riflette sul tempo come memoria, mentre la terza rappresenta il tempo come un “continuum” che fluisce nel ritmo musicale e nel suo incedere, ora lieve ora travolgente e ingloba “in perpetuo” le precedenti dimensioni, attraverso l’allegoria musicale della ripresa trasfigurata dei vari elementi apparsi nelle due sezioni precedenti.

Maggiori informazioni sul brano alla pagina dedicata.

Page 1 of 9

Powered by WordPress & Theme by Anders Norén

Navigando fra le pagine di questo sito, ne accetti l'utilizzo dei cookie. maggiori informazioni

Questo sito utilizza i cookie per fornire la migliore esperienza di navigazione possibile. Continuando a utilizzare questo sito senza modificare le impostazioni dei cookie o cliccando su "Accetta" autorizzi il loro utilizzo. Consulta la pagina Informativa sui cookie per maggiori informazioni.

Chiudi