{"id":2440,"date":"2013-07-22T10:47:55","date_gmt":"2013-07-22T08:47:55","guid":{"rendered":"http:\/\/www.musicamultimedia.net\/andrea-amici\/?p=1190"},"modified":"2013-07-22T10:47:55","modified_gmt":"2013-07-22T08:47:55","slug":"la-zona-franca-dellopera-lirica-2","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/www.musicamultimedia.net\/amici\/la-zona-franca-dellopera-lirica-2\/","title":{"rendered":"La zona franca dell'opera lirica"},"content":{"rendered":"
\"Foto
Foto ANSA<\/figcaption><\/figure>\n

La prima del recente allestimento del Ballo in maschera<\/em>\u00a0verdiano\u00a0andato in scena al Teatro alla Scala il 9 luglio ha ricondotto l’attenzione sull’annoso problema della regia nel teatro d’opera. Si \u00e8 assistito a un vero e proprio fortunale con annessa scrosciante pioggia di volantini che ha materializzato lo sdegno di coloro che vedono in taluni allestimenti pi\u00f9 radicali forzature dettate da manie di protagonismo e ignoranza.<\/p>\n

Nella fattispecie il Ballo <\/em>verdiano \u00e8 stato oggetto di una fortissima contestazione principalmente a causa della trasposizione, operata dal regista Damiano Michieletto, della vicenda a un’ipotetica contemporanea campagna elettorale, con un protagonista, Riccardo, che diviene un personaggio politico, Renato come suo responsabile della sicurezza, e il ballo finale che si trasforma in un party elettorale.<\/p>\n

Il pubblico scaligero si \u00e8 furiosamente spaccato: uno spettacolo troppo estremo, soprattutto se “ai danni” di Verdi; da un lato, quindi, i vivaci contestatori organizzati, dall’altro coloro che a tutti i costi difendono la novit\u00e0, gridando al miracolo.\u00a0Alla fine anche la critica non \u00e8 concorde: da una parte, soprattutto a caldo, si parla di fiasco, dall’altra emerge una solidale difesa a oltranza del regista e anche un rimprovero al pubblico contestatore per una sua presunta grossolanit\u00e0 nella pur legittima protesta.<\/p>\n

Un primo particolare mi \u00e8 saltato all’occhio, leggendo varie recensioni: si discute pochissimo di musica sommersa e soppiantata com’\u00e8 dalla scena, eppure stiamo parlando di un’opera di Giuseppe Verdi, che offre tantissimi aspetti interpretativi sui quali ci sarebbe tanto da discutere.<\/p>\n

Personalmente non ho n\u00e9 visto n\u00e9 ascoltato lo spettacolo, ma ho solo letto le recensioni e osservato varie immagini, quindi mi limiter\u00f2 a delle considerazioni personali generali su alcune tendenze dello spettacolo operistico.<\/p>\n

Sembra che ci sia ormai uno scollamento concettuale fra la musica e la scena, intendo per quanto riguarda la mera realizzazione. Le note sono quelle, si pretende anzi che siano sempre pi\u00f9 rigorosamente sfrondate da qualsiasi incrostazione del tempo: si cerca giustamente un ritorno al suono originale inteso come intenzione del compositore. La regia e la scena, invece, hanno presuntuosamente il diritto (e pare ora anche il dovere) di tradurre e spiegare presunte intenzioni del librettista e del compositore, prevalentemente attraverso uno spostamento temporale della vicenda o preferibilmente un’attualizzazione. Ecco quindi che ormai diviene raro, o comunque considerato intellettualmente poco valido, un allestimento che mantenga le indicazioni originali del libretto e all’interno delle sue didascalie cerchi una verit\u00e0 interpretativa.<\/p>\n

A mio parere, fermo restando che comunque vanno valutati caso per caso gli esiti, in linea di principio l’attualizzazione o comunque lo stravolgimento di quanto presente nelle indicazioni del libretto \u00e8 assolutamente privo di fondamento teorico e per questo ingiustificabile. Mostrare sulla scena, da parte del regista, la propria interpretazione in maniera esplicita significa in effetti tradire la vera e propria essenza del teatro, che di per s\u00e9 \u00e8 un’allegoria<\/em>: sulla scena si vede scorrere una vicenda, in una pi\u00f9 o meno precisa ambientazione, che di per s\u00e9 ovviamente \u00e8 un simbolo<\/em> di un’intenzione pi\u00f9 profonda; nei casi ovviamente pi\u00f9 riusciti la scena offre un rimando concettuale ad altro, che pu\u00f2 essere di per s\u00e9 pi\u00f9 o meno esplicito oppure ancora essere spiegato e quindi ricostruibile attraverso la testimonianza dell’autore stesso, ma l’importanza della presenza della “lettera” \u00e8 fondamentale: non esiste simbolo se non esiste l’immagine che a esso rimanda.<\/p>\n

\"Giuseppe<\/a>
Giuseppe Verdi<\/figcaption><\/figure>\n

Per tornare al Ballo in Maschera<\/em>, \u00e8 evidente che Verdi abbia voluto, attraverso una non molto specifica individuazione storica (tant’\u00e8 che nelle varie versioni dell’opera il luogo dell’azione si sposta e con esso anche i nomi del protagonista), creare un’allegoria di una serie di ideali, fra i quali naturalmente anche<\/em> la corruzione politica, le problematiche del potere, lo scontro fra l’idealit\u00e0 e il compromesso con l’azione di governo e con la propria debolezza umana. Ma non \u00e8 solo questo, anzi, molto di pi\u00f9: concetti e ideali, sentimenti, delusioni, odio, amore, esasperazione e squilibrio, magia e oscurit\u00e0, tutto portato agli estremi attraverso la potenza della musica che alla fine trova il suo luogo ideale non tanto sulla scena quanto nell’animo dell’ascoltatore; l’attualizzazione vista alla Scala quindi forza alla lettura parziale di quanto il codice<\/em>\u00a0ricchissimo e comunque aperto mette sulla scena attraverso delle immagini e dei simboli. Si tratta quindi, al di l\u00e0 del buono o cattivo gusto, in ogni caso di una perdita <\/em>o di una diminuzione\u00a0<\/em>di significato: se l’allegoria viene spiegata direttamente nel luogo in cui le figure agiscono come portatrici di un significato, sostituendo il significato al codice, l’allegoria stessa viene negata e viene negata anche quella possibilit\u00e0 di andare in maniera aperta oltre il codice stesso.<\/p>\n

Al di l\u00e0 di questa considerazione teorica sulla valenza allegorica del teatro, mi sembra opportuno anche un’altra parallela considerazione. Se si considera, come ho accennato prima, il grande progresso nell’interpretazione musicale dell’opera lirica dai tempi di Toscanini fino ai giorni nostri, soprattutto negli esempi migliori delle varie generazioni, si \u00e8 effettivamente giunti a un grado di valorizzazione del testo musicale scritto veramente molto elevato.La precisione del dettaglio vocale e strumentale, la qualit\u00e0 delle orchestre, l’attenzione alla filologia e alla storicit\u00e0 della musica, hanno permesso effettivamente di ottenere interpretazioni musicalmente molto valide, che si tramandano, con un effetto volano, anche verso le giovani generazioni grazie alle incisioni; per nominare solo alcuni grandi interpreti, si pensi al gi\u00e0 citato Toscanini (che ha praticamente dato l’avvio a un certo modo di dirigere e realizzare l’opera), De Sabata, Karajan, Solti, \u00a0Giulini, Abbado, Muti e tanti altri, hanno fatto in modo che l’opera lirica poggiasse sulla realizzazione musicale il suo fondamento, valorizzando quanto scritto dal compositore, il che non significa assolutamente seguire pedissequamente la pagina scritta\u00a0ma trovare all’interno di essa quanto pi\u00f9 possibile di ci\u00f2 che il segno pu\u00f2 esprimere. In questo modo si \u00e8 creato uno standard imprescindibile.<\/p>\n

Cosa si penserebbe se si togliesse dal teatro l’orchestra sinfonica e si sostituisse con strumenti elettronici, oggi pi\u00f9 attuali di oggetti ormai presenti da secoli? Se ancora si passasse dalla voce “lirica” a quella “non-lirica” semplicemente amplificandola? Cosa accadrebbe se si ricominciasse a operare tagli, cambiare l’orchestrazione, modificare le linee vocali? Assolutamente impossibile, la musica \u00e8 quello che \u00e8 scritto e nessuno ormai si sognerebbe minimamente di modernizzare, attualizzare.<\/p>\n

Allora perch\u00e9 l’esistenza di una zona franca dell’opera lirica<\/em>\u00a0nella quale \u00e8 possibile effettuare qualunque cosa a dispetto di quanto \u00e8 scritto? Forse che anche nel testo scritto, nelle “lettere” dico, non \u00e8 possibile trovare l’interpretazione nel senso di arricchimento del simbolo lasciandolo esteriormente qual \u00e8?<\/p>\n

\"Il
Il Teatro alla Scala di Milano<\/figcaption><\/figure>\n

Ebbene a mio parere questo strano fenomeno, al quale si assiste ormai da vari anni, spesso con esiti disastrosi ma comunque sempre con una forzatura nei termini che ho espresso prima, ha una sua spiegazione ben pi\u00f9 profonda, dovuta allo scollamento del teatro d’opera dall’attualit\u00e0. Se oggi si continuasse, come \u00e8 avvenuto nei secoli passati sin dalla sua nascita, a commissionare nuove opere liriche, ricche oltre che dei valori universali anche dell’attualit\u00e0, sarebbe possibile anche un teatro nel quale la regia, su un libretto “moderno” potrebbe esprimere a pieno se stessa e la propria modernit\u00e0, senza soffrire della deminutio<\/em> di dover operare sempre su qualcosa che sa di museale. Se nel teatro d’opera fosse presente il repertorio ma nel contempo anche la contemporaneit\u00e0, la musica contemporanea stessa avrebbe bisogno di una regia contemporanea, non attualizzante ma attuale<\/em>, ma anche di tecnologie musicali e teatrali adeguate al momento; il teatro stesso non sarebbe sempre uguale a se stesso e quindi, per alcuni, frustrante.<\/p>\n

Ormai, per\u00f2, la committenza di nuovi spettacoli d’opera \u00e8 contrario allo spirito dei tempi, o forse solo \u00e8 troppo rischioso e culturalmente inadeguato all’attualit\u00e0; si assiste pertanto al paradosso di voler proseguire la presentazione del passato da una parte valorizzandone l’elemento musicale come ormai unico proponibile, dall’altro inserendo la novit\u00e0 sull’aspetto scenico dove il “vecchio” non \u00e8 pi\u00f9 proponibile: di qui lo stridente contrasto di un ballo in maschera<\/em> che da festa galante della fine del XVII secolo diviene impropriamente e forzatamente pi\u00f9 o meno velatamente l’Italia contemporanea.<\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"

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